La artista jiennense figura entre los quince proyectos seleccionados para estos premios impulsados por la Unión Europea, que reconocen el talento emergente del continente. La votación para el Premio del Público ya está abierta.
La música de Ángeles Toledano continúa cruzando fronteras. La artista jiennense ha sido seleccionada como una de las quince nominadas a los Music Moves Europe Awards 2027, unos galardones promovidos por la Unión Europea que buscan dar visibilidad a las nuevas voces de la escena musical europea y apoyar el desarrollo de sus carreras internacionales.
La lista de nominados se anunció el pasado 4 de noviembre durante la celebración de Riga Music Week, en Letonia. Ángeles Toledano es la representante española de una selección que reúne propuestas procedentes de quince países y que refleja la diversidad de sonidos y estilos que conviven actualmente en Europa.
Su nominación supone un nuevo reconocimiento para una artista que ha construido su identidad musical desde el flamenco, manteniendo el vínculo con la tradición mientras desarrolla una forma propia de expresarse.
Una voz con raíces flamencas y proyección internacional
La relación de Ángeles Toledano con el flamenco comenzó desde muy pequeña. Según su perfil oficial en los premios, aprendió a cantar de la mano de su abuelo cuando tenía seis años y continuó formándose en peñas flamencas andaluzas, además de estudiar baile.
Esa conexión con sus raíces forma parte de una propuesta en la que la tradición convive con una mirada personal y contemporánea. Sus canciones abordan cuestiones como el amor, la sororidad, las generaciones y las minorías, con una atención especial a la palabra y a la capacidad narrativa del cante.
Su selección para los Music Moves Europe Awards sitúa esta propuesta dentro de una conversación musical que va más allá de nuestras fronteras y comparte escenario con otras quince formas de entender la música emergente europea.
Quince artistas y una mirada a la nueva música europea
Junto a Ángeles Toledano, la edición de 2027 reúne a TeddyBear (Bélgica), Ida The Young (República Checa), panicbaby (Alemania), Vilma Jää (Finlandia), Jersey (Francia), DA TI (Georgia), Alkyone (Grecia), Palo Canto (Hungría), MOIO (Irlanda), dóttir.x (Islandia), TÄRA (Italia), Nusantara Beat (Países Bajos), Petra (Eslovaquia) y Olga Myko (Suecia).
Los Music Moves Europe Awards cuentan con el apoyo del programa Europa Creativa y tienen como objetivo impulsar a artistas emergentes, facilitar su conexión con nuevos públicos y favorecer el desarrollo de sus carreras internacionales.
Por sus diferentes ediciones han pasado nombres que posteriormente han alcanzado una importante proyección internacional, como Rosalía, Dua Lipa, Stromae, Hozier, Christine and the Queens o Zaho de Sagazan. En la escena española también figuran artistas como Hinds, Queralt Lahoz, Ralphie Choo, Melenas, Judeline y Lia Kali.
El público también puede apoyar a Ángeles Toledano
Una de las particularidades de estos premios es que el público tiene la oportunidad de participar en la elección de uno de sus reconocimientos: el Premio del Público.
La votación de la edición de 2027 ya está abierta y permite apoyar directamente a cualquiera de los quince artistas nominados. Quienes quieran respaldar a Ángeles Toledano pueden hacerlo a través de la web oficial de los premios. El plazo permanecerá abierto hasta la medianoche del 31 de diciembre de 2026.
Vota por Ángeles Toledano en los Music Moves Europe Awards 2027:
Los quince artistas nominados actuarán en Eurosonic Noorderslag (ESNS), uno de los principales encuentros europeos dedicados al descubrimiento de nuevos talentos y a la industria musical. El festival tendrá lugar en Groningen, Países Bajos, del 13 al 16 de enero de 2027.
Durante esos días, los artistas también participarán en el Programa Educativo MME, que ofrece formación, encuentros y oportunidades de contacto con profesionales del sector.
La ceremonia de entrega de los premios se celebrará el jueves 14 de enero de 2027 en el Stadsschouwburg Groningen. En total se concederán cinco Music Moves Europe Awards, un Gran Premio del Jurado y el Premio del Público. Cada uno de los cinco premios principales estará dotado con 10.000 euros; el Gran Premio del Jurado incluirá además un bono de 5.000 euros para giras sostenibles, y el Premio del Público contará con 5.000 euros y la posibilidad de grabar un Spotify Single en los estudios de Spotify en Estocolmo.
La nominación de Ángeles Toledano abre una nueva oportunidad para que su música llegue a más escenarios y oyentes europeos. Una presencia española que lleva el flamenco a un escaparate internacional donde conviven diferentes culturas, lenguajes y formas de entender la música.
Desde Salamanca, siete músicos construyen un universo propio en el que conviven folk, rock y rap. Con una trayectoria marcada por la evolución constante, The Son of Wood afronta una nueva etapa en la que la experimentación, el trabajo colectivo y la inquietud creativa siguen siendo sus principales motores.
Hay bandas que buscan definir su sonido y otras que prefieren dejar que sea el tiempo quien lo haga. The Son of Wood pertenece a este segundo grupo. Su historia es la de un proyecto que ha ido creciendo sin miedo a cambiar, incorporando nuevas influencias y diferentes maneras de entender la música hasta construir una identidad en constante movimiento.
Lo que comenzó como una iniciativa personal de Sergio Dimald terminó convirtiéndose en una formación de siete músicos que comparten algo más que un escenario: una forma de entender la música como profesión, como aprendizaje y como parte fundamental de sus vidas.
Los primeros pasos estuvieron marcados por la ilusión y por todo aquello que todavía desconocían. Aprender a preparar un rider, organizar conciertos, entender las necesidades técnicas de los directos o enfrentarse a la grabación de un disco fueron algunas de las experiencias que tuvieron que incorporar sobre la marcha. Un aprendizaje acelerado que terminó definiendo también su manera de afrontar el proyecto.
Desde el principio tuvieron claro que no querían entender The Son of Wood como un simple pasatiempo. La ambición, el trabajo y unas expectativas claras acompañaron a la banda desde sus comienzos. No hubo un único momento que cambiara su trayectoria, sino muchas pequeñas experiencias que fueron construyendo lo que son hoy.
Siete músicos, muchas formas de entender la música
Uno de los aspectos más interesantes de The Son of Wood está precisamente en su composición. Siete músicos procedentes de escuelas y sensibilidades diferentes que han encontrado en el trabajo colectivo una manera de hacer convivir sus distintas visiones.
Después de tantos años compartiendo camino, las diferencias se han convertido en una herramienta creativa. Antonio Nieto e Iván Escudero, incorporaciones de los últimos años, han contribuido a transformar la dinámica de trabajo, mientras que Xavi Akd ha ampliado las posibilidades vocales del proyecto y Lucía Urones ha llevado el violín hacia territorios sonoros cada vez más amplios.
También ha cambiado la manera de construir las canciones. Ya no parten necesariamente de una estructura definida que después desarrolla el resto de la banda. Ahora muchas composiciones nacen de pequeñas ideas que se trabajan conjuntamente en el local de ensayo.
El resultado es un proceso abierto en el que cualquier idea puede tomar una dirección inesperada. Como ellos mismos explican, cada canción tiene un origen diferente, pero todas terminan llevando algo de cada integrante. Una creación colectiva en la que siete sensibilidades terminan encontrando un mismo camino.
Un sonido que no entiende de etiquetas
Definir musicalmente a The Son of Wood nunca ha sido sencillo. Sus primeros pasos estuvieron marcados por un folk de autor que, con el paso del tiempo, fue incorporando nuevas sonoridades. Hoy el rock tiene una presencia más contundente, mientras que el rap se ha convertido en uno de los elementos que mejor identifican su momento actual.
Esa evolución también tiene mucho que ver con las influencias que conviven dentro del grupo. Nombres como Quique González, Ben Howard o Mumford & Sons forman parte de sus referencias, junto a artistas como Paolo Nutini, Feist o Gnarls Barkley.
Lejos de intentar encajar todas esas influencias en una fórmula fija, la banda prefiere mantener abiertas las posibilidades. Su sonido cambia porque ellos también cambian, y esa transformación forma parte de su manera de entender el proyecto.
Hay una idea que resume bastante bien su filosofía: no quieren ser una banda que suene siempre igual. Buscan sorprenderse a sí mismos y permitir que cada nuevo proceso creativo los lleve hacia lugares diferentes, sin perder por ello una identidad común.
In Itinere: canciones que nacen de lo que somos
En su nuevo trabajo, In Itinere, esa inquietud por evolucionar también alcanza a las letras. The Son of Wood ha entendido que no todas las historias necesitan contarse de la misma manera y que cada canción puede encontrar su propio lenguaje.
Los sentimientos y las experiencias personales son el punto de partida de buena parte de sus composiciones. En ellas hay espacio para la pérdida, la nostalgia, la rutina, el cansancio de vivir siempre entre el trabajo y las obligaciones, pero también para la necesidad de agarrarse al arte, tanto al crearlo como al recibirlo.
La banda no pretende limitarse a una única temática. Si sus experiencias y emociones son diversas, sus canciones también deben poder serlo.
Esa sinceridad se extiende a su propia manera de entender la identidad musical. Para ellos, lo importante no está tanto en alcanzar un resultado concreto como en mantenerse fieles al proceso. La ambición, el trabajo y la honestidad son los elementos que consideran fundamentales para seguir avanzando.
En este recorrido también destacan el trabajo realizado junto a Martín García Duque y Diego Galaz, cuya huella consideran especialmente importante en su crecimiento reciente. Para The Son of Wood, un proceso de producción no debería servir únicamente para mejorar un disco, sino también para crecer como músicos y profesionales.
Salamanca, el lugar al que pertenecen
Aunque su música haya viajado más allá de su ciudad de origen, Salamanca continúa ocupando un lugar fundamental en la historia de The Son of Wood.
Sus canciones suelen mirar hacia los barrios, los pueblos y esos pequeños núcleos donde las personas encuentran su sentido de pertenencia. Lugares cercanos, experiencias cotidianas y realidades que terminan convirtiéndose en parte de su universo creativo.
Su relación con Salamanca es sincera y no está exenta de contradicciones. Reconocen las dificultades que supone hacer prosperar un proyecto musical en una ciudad donde la población joven cambia constantemente y donde consideran que el modelo económico está demasiado orientado a la fiesta.
Sin embargo, lejos de plantearse marcharse para buscar mejores oportunidades, han decidido seguir apostando por el lugar del que proceden.
Llevan el nombre de Salamanca con orgullo y quieren ser reconocidos también en su propia tierra. Su postura queda resumida en una declaración que refleja perfectamente su vínculo con la ciudad: «Nunca fuimos de huir porque era difícil sino de quedarnos para cambiarlo».
El escenario como espacio de encuentro
La evolución de la banda también se percibe en sus conciertos. The Son of Wood entiende el directo como algo que va más allá de reproducir las canciones del disco. Buscan desarrollar un espectáculo propio, incorporar nuevos matices y ofrecer al público una experiencia que mantenga la esencia de cada composición.
Esa combinación entre evolución y respeto por la música es una de las claves de su propuesta en directo. Energía, complicidad y disfrute son algunos de los elementos que quieren transmitir sobre el escenario.
Pero hay algo que valoran especialmente: las personas que siguen apostando por la música en directo y que pagan una entrada para escuchar, e incluso descubrir, nuevos proyectos.
La conexión con el público es una parte fundamental de esa experiencia. Por eso aprovechan para reivindicar a quienes todavía llenan las salas y hacen posible que la música siga encontrando espacios donde crecer.
Las historias que hacen que todo merezca la pena
Cuando recuerdan su trayectoria, The Son of Wood no se queda únicamente con los grandes hitos musicales. Entre sus recuerdos aparecen viajes, conciertos, comidas después de los ensayos y personas que han ido encontrando durante el camino.
El concierto de Ceuta ocupa un lugar especial, tanto por el cariño con el que fueron recibidos como por las anécdotas de aquel viaje. También guardan un recuerdo especial de sus noches en El Lobo de León, después de tocar en la Black Bourbon, una sala que ya no pueden disfrutar.
A esos momentos se suman las comidas con Manuela, Lorenzo y Marcos después de los ensayos, así como las grabaciones en Brasil y Gárate.
Son recuerdos diferentes, pero todos parecen conducir a una misma conclusión: la música también consiste en conocer personas, compartir experiencias y encontrar lugares donde sentirse bienvenido.
Quizá por eso, cuando hablan de lo mejor que les ha dado este camino, no se limitan a mencionar escenarios o canciones. Hablan de gente que les ha abierto las puertas de su casa y les ha hecho sentirse como uno más.
Una banda que todavía tiene mucho por descubrir
El momento actual de The Son of Wood combina dos facetas que parecen complementarse: una parte más gamberra y otra en la que la madurez musical ha alcanzado un nuevo nivel.
Se sienten más músicos que nunca y están explorando registros más agresivos, con sonoridades contundentes y momentos de mayor exigencia técnica. Una nueva etapa que no supone abandonar lo anterior, sino ampliar las posibilidades de una banda que nunca ha querido quedarse quieta.
Tampoco parecen tener una hoja de ruta cerrada para el futuro. Más que perseguir un sonido determinado o cumplir una lista de objetivos, prefieren mantenerse abiertos a las experiencias que puedan surgir en cada proceso creativo.
La curiosidad y las ganas de aprender siguen siendo sus principales motores. Cada nuevo trabajo supone un reto y una oportunidad para descubrir algo diferente, tanto musical como personalmente.
Al final, esa parece ser la verdadera esencia de The Son of Wood: siete personas que comparten un proyecto, pero que no necesitan pensar constantemente en cómo definirlo. Prefieren dejar que las canciones, las experiencias y el tiempo sigan escribiendo su historia.
Y si todavía no has escuchado su música, su invitación no puede ser más sugerente. Para ellos, el vértigo no es el miedo a caer, sino el miedo a la posibilidad de salir volando.
ALCALÁ NORTE amplía su universo con «Dejémoslo como estaba»
La banda madrileña regresa con su segundo álbum, un trabajo que conserva la identidad post-punk de su debut mientras incorpora nuevos matices electrónicos, sintetizadores y una ambición sonora que acompaña a sus particulares historias.
El segundo disco siempre plantea un reto: demostrar que el camino iniciado con el primero todavía tiene mucho recorrido. Alcalá Norte afronta ese desafío con Dejémoslo como estaba, un álbum en el que la banda madrileña amplía su universo creativo sin renunciar a los rasgos que han definido su identidad. Ellos mismos lo resumen con una afirmación directa: «el segundo es mejor que el primero».
Publicado el 4 de noviembre, el nuevo trabajo parte de su reconocible base post-punk para explorar otros territorios. Las guitarras y las baterías siguen teniendo un papel protagonista, pero esta vez conviven con una mayor presencia de sintetizadores y arreglos de carácter orquestal. Una evolución en la que destaca el trabajo de Laura de Diego a los teclados, que aporta nuevas dimensiones al sonido del grupo.
El álbum alterna introducciones contundentes, estribillos extensos y melodías de carácter más repetitivo y rítmico. Las guitarras de Carlos Elías, las baterías de Jaime Barbosa y el bajo de Admin construyen una base sobre la que la banda desarrolla un repertorio que busca ampliar sus posibilidades sin perder personalidad.
Una ciudad convertida en universo creativo
Las letras vuelven a ocupar un lugar fundamental en el imaginario de Alcalá Norte. Dejémoslo como estaba recorre episodios históricos, reflexiones filosóficas y referencias a su entorno más cercano, combinando elementos que a primera vista pueden parecer distantes, pero que forman parte del universo particular del grupo.
La Revolución francesa aparece como uno de los puntos de partida del álbum, con la defensa de la revolución frente a las tropas del antiguo régimen. También hay espacio para las raíces del nihilismo activo y sus consecuencias, junto a historias vinculadas a Ciudad Lineal, el barrio madrileño del que procede la banda.
La figura del urbanista Arturo Soria y las tragedias asociadas a este entorno se convierten en parte de ese paisaje narrativo. Alcalá Norte vuelve así a transformar referencias históricas, culturales y locales en materia para sus canciones.
Once canciones para seguir explorando
El álbum reúne once temas que recorren diferentes matices de su propuesta: «En Valmy», «El Endemoniao», «Claudia», «El Hombre Planeta», «Los Llamados Pitagóricos», «Contador de Muertes», «Campos de Golf», «Arturo Soria», «Icare (LFDL)», «Tiny Oscar» y «La Venta Nueva».
Los adelantos publicados antes de la salida del disco —«El Hombre Planeta», «Los Llamados Pitagóricos» y «El Endemoniao»— ofrecieron algunas pistas sobre la dirección de esta nueva etapa. Ahora, dentro del conjunto, permiten acercarse a un trabajo que combina diferentes ritmos, atmósferas y formas de desarrollar sus canciones.
Un trabajo cuidado también desde lo visual
Dejémoslo como estaba se grabó en el Estudio La Cafetera, en Madrid, con Pablo Fergus al frente de la producción junto a la propia banda. Fergus también se encargó de la mezcla, mientras que Rubén Montes realizó la masterización.
El apartado visual tiene igualmente un peso importante. El artista Carle Naide firma la portada del álbum y una serie de catorce ilustraciones que acompañan el lanzamiento. El universo gráfico toma como referencia la obra de Francisco de Goya, especialmente Riña en la venta nueva, una imagen que conecta directamente con la canción que cierra el disco, «La Venta Nueva».
Música e imágenes forman así parte de una misma propuesta, en la que Alcalá Norte continúa construyendo un imaginario reconocible y abierto a nuevas interpretaciones.
Con este segundo trabajo, Alcalá Norte no se limita a repetir la fórmula de su debut. La banda conserva su raíz post-punk, pero ensancha sus posibilidades con nuevos recursos sonoros y un universo lírico y visual cada vez más definido. Dejémoslo como estaba supone un nuevo paso en una trayectoria que sigue encontrando formas de crecer sin perder su identidad.
Después de once años recorriendo escenarios con Segonamà, Hanz Ruiz abre una nueva etapa artística en la que las guitarras recuperan el protagonismo y la vulnerabilidad se convierte en el centro de sus canciones. ConFRÁGIL, su primer álbum de larga duración, el músico barcelonés transforma una mudanza vital en un recorrido musical por los recuerdos, los miedos y la necesidad de reconstruirse.
Hay momentos en los que toca hacer las maletas, mirar lo que queda atrás y decidir qué merece la pena llevarse a la siguiente etapa. No siempre es una mudanza física. A veces, el cambio sucede por dentro: revisar recuerdos, reconocer errores y aceptar que algunas cosas ya no encajan como antes.
Esa es la imagen que atraviesa FRÁGIL, el primer álbum de Hanz Ruiz, publicado el 30 de octubre de 2026. Un disco que nace de una etapa de transformación personal y que convierte la vulnerabilidad en materia prima para construir canciones. Porque, para Hanz, romperse no significa rendirse: también puede ser el primer paso para volver a empezar.
Volver a las guitarras para encontrar el camino
Antes de emprender esta nueva etapa, Hanz Ruiz pasó once años formando parte de Segonamà, un proyecto con el que recorrió escenarios de distintos puntos del territorio y acumuló más de 250 conciertos. Una experiencia que le permitió aprender el oficio desde el directo, conocer la dinámica de una banda y entender lo que significa compartir música con el público.
También hubo un recorrido anterior ligado a las versiones de canciones de grupos como Oasis y Green Day. Sin embargo, con el tiempo fue creciendo la necesidad de regresar a las guitarras, al ruido y a una forma de hacer música más cercana a sus propios referentes.
Su identidad actual fue tomando forma durante la producción del álbum. En ese proceso volvió a conectar con los discos que le habían acompañado durante la adolescencia, pero también con sonidos más recientes. Green Day, Oasis, el rock argentino de Andrés Calamaro y Turf, el grunge y el indie nacional de Los Planetas y Australian Blonde forman parte de ese universo, al que se suman referencias actuales como Fontaines D.C. y Royel Otis.
El resultado busca un equilibrio entre la energía del rock alternativo, las melodías cuidadas y una producción que incorpora texturas contemporáneas. La intención era recuperar la sensación de una banda tocando en un local de ensayo, con guitarras orgánicas y baterías con pegada, sin renunciar a un sonido conectado con el presente.
Escribir desde lo que duele
En FRÁGIL, las canciones no parten de una idea de personaje ni de la necesidad de aparentar algo. Nacen de experiencias, emociones y preguntas que Hanz necesita poner en orden. La música se convierte en ese espacio en el que, según explica, no puede mentirse.
Muchas de las composiciones surgieron de una necesidad concreta: un nudo en el estómago, una frase que vuelve una y otra vez o algo que necesita salir. Algunas encontraron su forma durante un retiro de composición en una casa rural, lejos del ruido de la ciudad, probando ideas y dejando que las melodías fueran marcando el camino.
Esa manera de escribir también tiene algo de ejercicio terapéutico. «Cristal», una de las canciones que abre el álbum, representa especialmente ese enfrentamiento con uno mismo: reconocer las propias caídas, mirar de frente al ego y aceptar que volver a equivocarse forma parte del camino.
El disco recoge una etapa de cambios, entre el final de los veinte y la entrada en los treinta, en la que toca revisar expectativas y reconciliarse con la persona en la que uno se ha convertido. No hay intención de proyectar una imagen de invulnerabilidad. Al contrario: Hanz prefiere mostrar las costuras, reconocer los miedos y convertirlos en canciones.
De Marengo a FRÁGIL
Antes de llegar a este primer álbum, Hanz publicó en 2023 el EP Marengo, un paso que le permitió experimentar con sonidos y matices más pop y sintéticos. Aquella etapa le ayudó a perder el miedo a explorar, pero también a descubrir qué echaba de menos: la dinámica de una banda y la contundencia de las guitarras.
«No te falta nada» fue una de las canciones que empezó a señalar el camino hacia el sonido que acabaría tomando forma en FRÁGIL. Después llegaron adelantos como «Frío», «Cosquilleo» y «Tu Mirada», que fueron mostrando distintas caras del proyecto.
En «Frío», el dolor de una relación que termina se envuelve en una sonoridad luminosa, con ese aire de skate-rock de los años dos mil. «Cosquilleo», por su parte, recupera la adrenalina de volver a sentir mariposas y el vértigo de dejarse llevar. Dos canciones que miran hacia atrás en lo musical, pero que encuentran su sentido en emociones muy presentes.
«Tu Mirada» abre otra perspectiva: empieza desde un lugar íntimo y va creciendo hasta convertirse en un estallido de indie rock. En ella aparece la necesidad de encontrar refugio frente al ruido exterior, una idea que conecta con la búsqueda de calma y autenticidad que recorre todo el álbum.
FRÁGIL: abrir las cajas y mirar dentro
La idea de la mudanza vital no se queda únicamente en las letras. También da forma al universo visual del disco. Cajas de cartón, cinta de precinto y etiquetas rojas con la palabra «FRÁGIL» construyen una imagen que representa el proceso de revisar lo vivido y decidir qué hacer con ello.
Cada caja guarda recuerdos, etapas y partes de una identidad que no siempre resulta fácil ordenar. Desempaquetar significa volver a mirar lo que hay dentro, aceptar que algunas cosas han cambiado y construir una nueva versión de uno mismo.
En lo musical, el álbum recupera el nervio del rock alternativo de los noventa y los dos mil, con guitarras contundentes y una base orgánica de banda, pero incorpora capas y texturas actuales. Esa combinación permite que convivan la crudeza de canciones como «Cristal» con los matices de otros temas del repertorio.
El recorrido se completa con canciones como «Cuántas Veces», que se adentra en el bucle de una relación de idas y venidas; «Corazón», donde el desencanto da paso a la rabia; o «Llega el Final», que cierra el álbum desde la aceptación de que crecer también implica despedirse de algunas versiones de uno mismo.
Publicado de manera autoeditada, FRÁGIL reúne diez canciones y funciona como una declaración de intenciones: no esconder las dudas, no disimular las heridas y entender que la fragilidad también puede ser una forma de fortaleza.
Un proyecto colectivo con una voz propia
Aunque el proyecto lleva su nombre, Hanz insiste en que el trabajo no se construye en solitario. La composición y la producción han sido un proceso compartido, en el que la confianza y la ausencia de egos han resultado fundamentales.
Joel Llauradó ha tenido un papel importante en la búsqueda del equilibrio sonoro del álbum, ayudando a combinar la crudeza de las guitarras con texturas más actuales. También destaca la relación con Ignasi Mir, a quien conoce desde la infancia y con quien comparte una complicidad que, según cuenta, permite entenderse incluso sin necesidad de hablar.
El universo visual también forma parte de esa construcción colectiva. La dirección de arte corre a cargo de Max Gener, con el concepto de Alba Ruiz y el estilismo de Xènia Soler. Una propuesta que acompaña la idea central del disco: mostrar las costuras, dejar a la vista lo que normalmente se intenta ocultar y tratar los recuerdos con el cuidado que merecen.
El escenario como lugar de encuentro
Si el estudio ha servido para ordenar emociones y dar forma a las canciones, el directo es para Hanz el lugar donde todo adquiere otra dimensión. Él mismo lo describe como «la trinchera»: el espacio en el que las composiciones abandonan las grabaciones y recuperan el músculo, la energía y la garra de una banda tocando frente al público.
La presentación de FRÁGIL tendrá lugar el próximo 19 de febrero en la sala LAUT de Barcelona, una cita importante para llevar al escenario esta nueva etapa.
El camino independiente, sin embargo, no está exento de dificultades. Hanz compagina su actividad musical con su trabajo como maestro en una escuela de primaria y asume también la gestión y la inversión que implica sacar adelante un proyecto propio. La falta de tiempo y la necesidad de multiplicar esfuerzos forman parte de esa realidad, aunque la libertad creativa sigue siendo una de sus grandes motivaciones.
Su objetivo ahora es defender FRÁGIL en directo y llevar sus canciones al mayor número posible de salas y festivales. Pero hay algo más importante que las cifras o el recorrido: que esas canciones puedan acompañar a quien las escuche en sus propios cambios, servir de refugio en un momento complicado o convertirse en una forma de desahogo.
Romperse también es una forma de empezar
FRÁGIL no pretende ofrecer respuestas definitivas. Su propuesta es más sencilla y, quizá por eso, más cercana: aceptar que cambiar implica dejar cosas atrás, que no siempre tenemos todas las piezas en su sitio y que reconocerlo no nos hace más débiles.
Hanz Ruiz ha convertido esa idea en diez canciones que miran a sus raíces musicales sin quedarse atrapadas en la nostalgia. Un primer álbum construido desde la honestidad, con guitarras al frente y una historia personal que encuentra su fuerza precisamente en aquello que no intenta esconder.
Porque a veces, para volver a empezar, primero hay que abrir las cajas, mirar dentro y aceptar lo que somos. Incluso cuando llevamos una etiqueta que dice «FRÁGIL».
TIWAYO: el alma del soul francés regresa a España con «Outsider»
El músico francés vuelve a los escenarios españoles este noviembre con un álbum producido por Adrian Quesada, guitarrista de Black Pumas, que explora los caminos del soul, el blues y la música de raíces americana.
Hay voces que parecen venir de otro tiempo, pero que encuentran su sitio en el presente. La de Tiwayo es una de ellas. El cantante y compositor francés regresa a España este mes de noviembre para presentar Outsider, un trabajo que confirma su conexión con el soul clásico y amplía sus horizontes hacia otros territorios de la música americana.
Producido en Austin, Texas, por Adrian Quesada, conocido por su trabajo con Black Pumas, Outsider reúne a músicos de primer nivel como Doyle Bramhall II, Kendra Morris y miembros de la propia banda estadounidense. El resultado es un álbum de sonido orgánico que se mueve entre el soul, el blues y el rhythm’n’blues, con una mirada abierta a las raíces de la música americana.
El disco está siendo considerado para los próximos premios GRAMMY en la categoría de Best Americana Album, un reconocimiento que acompaña a uno de los trabajos más destacados de la trayectoria del artista.
Tiwayo – «I’ve Got To Travel Alone» (Official Video)
Una nueva edición con canciones inéditas
Tiwayo acaba de ampliar Outsider con una edición digital deluxe que incorpora dos temas inéditos: «Austin Austin Austin» y «Lovin Man». Una oportunidad para volver a sumergirse en un álbum que combina la tradición del soul con una interpretación personal y contemporánea.
Su voz cálida, profunda y llena de matices conecta con el legado de artistas como Al Green, Curtis Harding o Gil Scott-Heron. Una sensibilidad que también encuentra puntos de encuentro con propuestas actuales como Black Pumas y que cobra especial fuerza sobre el escenario.
Tiwayo vuelve a los escenarios españoles
La gira de noviembre llevará al músico francés por cinco ciudades, con conciertos en Santiago de Compostela, Bilbao, Madrid, Valencia y Sevilla. Una ocasión para descubrir en directo las canciones de Outsider y acercarse a una de las voces más personales del soul europeo actual.
Fechas de la gira 2026
10 de noviembre – Outono Códax Festival, Santiago de Compostela
12 de noviembre – Kafé Antzokia, Bilbao
14 de noviembre – Babylon Jazz Club, Madrid
15 de noviembre – 16 Toneladas, Valencia
16 de noviembre – Sala X, Sevilla
La fecha de Santiago de Compostela ha sido trasladada finalmente al martes 10 de noviembre.
Con Outsider, Tiwayo reivindica la fuerza de un sonido que mira a sus raíces sin quedarse anclado en ellas. Su regreso a España promete cinco oportunidades para disfrutar de esa mezcla de soul, blues y música americana que define su personalidad artística.
Escucha «Outsider»
La edición digital deluxe de Outsider está disponible con dos canciones inéditas. Puedes descubrir también el álbum y seguir las novedades del artista a través de sus canales oficiales.
León se prepara para recibir una nueva edición del Lion Rock Fest, una cita que volverá a reunir a los seguidores del hard rock melódico y el AOR. El festival celebrará su cuarta edición el próximo 7 de noviembre en el Palacio de Congresos y Exposiciones de León, pero la música empezará a sonar un día antes con una programación paralela que llevará el rock a distintas salas de la ciudad.
Dos jornadas de conciertos, bandas internacionales, grupos nacionales y sesiones de rock convertirán el primer fin de semana de noviembre en una cita especial para los aficionados al género.
Nueve bandas en el escenario principal
El cartel de esta edición reúne nueve formaciones, combinando nombres históricos del hard rock con propuestas que mantienen vivo el sonido melódico de las últimas décadas.
Uno de los grandes protagonistas será Michael Schenker Group, con Robin McAuley a la voz. El guitarrista alemán, conocido por su trayectoria en UFO y Scorpions, llegará a León acompañado por el vocalista con quien compartió una de las etapas más reconocidas de MSG.
También estará Kee Marcello, guitarrista que formó parte de Europe durante una etapa fundamental de la banda sueca y participó en álbumes como Out of This World y Prisoners in Paradise. Su presencia supone una oportunidad para reencontrarse con parte de aquel repertorio.
Desde Reino Unido llegará Dare, la formación liderada por Darren Wharton, antiguo integrante de Thin Lizzy. Fundada en 1985, la banda se ha construido una identidad propia dentro del rock melódico con trabajos como Out of the Silence y Arc of a Diver.
La representación internacional se completa con Midnite City, Fighter V y Girish and the Chronicles. Esta última formación, procedente de India, se incorpora al cartel en sustitución de Art Nation, que finalmente no podrá actuar por motivos personales ajenos a la organización.
La escena nacional estará representada por Xtasy, Starbeast y Lost Wingman. Xtasy llegará con su propuesta de hard rock melódico; Starbeast aportará su sonido de inspiración ochentera, y Lost Wingman presentará su combinación de rock y grandes melodías.
Viernes 6: la previa también será de rock
La programación comenzará el viernes 6 de noviembre con dos conciertos gratuitos en Espacio Vías.
A partir de las 21:00 horas, los asturianos Leather Boys serán los encargados de abrir la noche. Después llegará el turno de Xtasy, que continuará calentando el ambiente para el festival del sábado.
La entrada será gratuita hasta completar el aforo.
La actividad continuará a partir de las 23:30 horas en Studio 54, donde Jason Cenador, de MariskalRock, ofrecerá una sesión de rock para prolongar la noche.
Sábado 7: música desde el mediodía hasta la madrugada
El sábado comenzará antes de la apertura del recinto principal. A las 13:30 horas, los pamploneses Starbeast ofrecerán un concierto en la sala Babylon, con entrada gratuita hasta completar aforo.
Por la tarde llegará el momento central del fin de semana: el Lion Rock Fest en el Palacio de Congresos y Exposiciones de León, con inicio previsto a las 18:30 horas.
El cartel principal estará formado por:
Michael Schenker Group feat. Robin McAuley
Kee Marcello
Dare
Girish and the Chronicles
Midnite City
Fighter V
Xtasy
Starbeast
Lost Wingman
La organización no ha publicado todavía un horario individual de actuaciones, por lo que habrá que estar pendiente de sus canales oficiales para conocer el orden de los conciertos.
Y para quienes todavía tengan ganas de más rock después del festival, la jornada continuará en El Gran Café. A partir de las 2:30 de la madrugada, Rafa Basa pondrá el broche final con una sesión musical.
Cómo conseguir las entradas y viajar a León
El festival principal tendrá lugar el sábado 7 de noviembre en el Palacio de Congresos y Exposiciones de León.
La venta de entradas se realiza a través de los canales enlazados desde la web oficial del Lion Rock Fest. Los precios y modalidades disponibles pueden consultarse en el momento de la compra.
Además, el festival mantiene un acuerdo con Renfe que ofrece un 10 % de descuento en billetes de AVE y Larga Distancia para quienes se desplacen a León con motivo del evento. Para beneficiarse de esta promoción es necesario solicitar previamente el número de autorización facilitado por la organización y seleccionar la tarifa Congresos/Eventos durante la compra en Renfe.
León, dos días con el rock como protagonista
Con esta cuarta edición, el Lion Rock Fest vuelve a apostar por una programación que va más allá del escenario principal. La combinación de artistas internacionales, bandas nacionales y conciertos gratuitos en salas de León permite extender el ambiente del festival durante todo el fin de semana.
El viernes abrirá la celebración con Leather Boys y Xtasy; el sábado, Starbeast pondrá la música desde el mediodía antes de que nueve bandas tomen el Palacio de Congresos. La sesión final de Rafa Basa prolongará una jornada pensada para quienes siguen disfrutando del hard rock y el AOR.
Los días 6 y 7 de noviembre, León tendrá una cita con las guitarras, las grandes melodías y el rock en directo.
Información y redes oficiales
Para consultar las últimas novedades, horarios, posibles cambios en la programación y toda la información del festival:
León se prepara para vivir un fin de semana en el que el hard rock será el gran protagonista. Dos días de conciertos, guitarras y grandes melodías para reencontrarse con bandas históricas y descubrir diferentes propuestas del género.
El 6 y 7 de noviembre, la música volverá a tomar León. ¡Nos vemos en el Lion Rock Fest!
La artista, cantante, productora y bailarina convierte su primer álbum en una propuesta multidisciplinar donde el dancehall, los afrobeats y la experimentación pop conviven con la imagen, el movimiento y la expresión personal.
Hay proyectos musicales que no se limitan a las canciones. En ellos, la música es solo una parte de un lenguaje mucho más amplio, en el que también intervienen el cuerpo, la imagen, la puesta en escena y una manera particular de entender la expresión artística. Es en ese espacio donde se mueve ADMIRE, una artista que ha construido una propuesta propia en la que cada elemento forma parte de un mismo universo creativo.
Cantante, productora y bailarina, ADMIRE desarrolla un proyecto multidisciplinar en el que participa activamente en la producción musical y visual, así como en la dirección de sus videoclips. Su trabajo combina dancehall y afrobeats en castellano con una mirada pop y experimental, sin separar la música de las demás formas de expresión que dan identidad a su propuesta.
«Revelación»: un universo entre el duelo, el baile y la mística
En abril de 2026, ADMIRE publicó Revelación, su álbum debut, un trabajo conceptual inspirado en las Trompetas del Apocalipsis que transita entre el duelo, el baile y la mística.
El disco plantea un recorrido en el que la música y la imagen acompañan un discurso relacionado con la liberación de las presiones sociales y el empoderamiento femenino. No se trata únicamente de reunir canciones, sino de construir un universo artístico en el que sonido, movimiento y estética funcionan como partes de una misma historia.
Temas como «SEFUE», «BABYLON», «Loto», «Esa gente que HMM», «Superman» o «Revelación» permiten acercarse a las distintas facetas de ese universo. Una propuesta que encuentra en el ritmo y la experimentación una forma de expresión personal.
De la música al escenario: una artista que dirige su propio proyecto
Una de las particularidades de ADMIRE es su implicación en las diferentes etapas de creación. Su formación en violonchelo clásico, danza urbana y teatro aporta distintas herramientas a un proyecto en el que la interpretación musical no está desligada de la expresión corporal y escénica.
Ese recorrido también se refleja en ADMIRE: Road To Apolo, un documental estrenado en IN-EDIT 2025 que acompaña a la artista durante su preparación para IMB Fest 2024. La película permite acercarse a su proceso creativo y conocer cómo construye una propuesta en la que música, cuerpo, imagen y escena comparten protagonismo. Actualmente puede verse en Filmin, dentro de la sección Filmin Music Fest 2026.
Su trayectoria incluye actuaciones y participación en encuentros y festivales como Primavera Pro, Summer by the River, en Londres; Reeperbahn, en Alemania; Waves Vienna; Fiesta Latina, en Bruselas; MUM, FiM Vila-seca, Curtcircuit, Granca Live Fest y BAM / La Mercè.
A lo largo de este recorrido también ha recibido distintos reconocimientos, entre ellos el Premio YouTube Music, el premio a Mejor Videoclip Nacional en el Granada Film Fest y el Best Merch Award de Waves Vienna.
Tráiler de «ADMIRE: Road To Apolo»
Para acercarse a este proyecto documental, aquí puede verse su tráiler oficial:
Videoclips de «Revelación»
El universo de Revelación también se expresa a través de sus piezas audiovisuales, que amplían la identidad musical y visual del proyecto.
El álbum inicia ahora una nueva etapa con su edición física en vinilo, limitada a 500 copias. Esta edición ha sido posible gracias al Best Merch Award recibido en Waves Vienna en 2025.
Cada ejemplar incorpora acceso al Mapa de Revelaciones, una experiencia interactiva que invita a quienes escuchan el disco a compartir una revelación propia y añadirla a un mapa colectivo. Una iniciativa que amplía el concepto del álbum más allá de su escucha y propone una conexión directa entre la obra y las personas que se acercan a ella.
Mientras continúa llevando Revelación a los escenarios, ADMIRE comienza a trabajar en la siguiente etapa de su proyecto.
Una propuesta que va más allá de las canciones
En un panorama musical donde la identidad de un proyecto puede construirse desde muchos lugares, ADMIRE apuesta por integrar distintas disciplinas en una misma visión artística. La música, la danza, la imagen y la interpretación no funcionan como elementos independientes, sino como distintas formas de expresar una misma mirada.
Su participación el próximo 3 de noviembre en VIVIR DE ESTO, iniciativa impulsada por AIE y comisariada por el Observatorio Mondo Sonoro, será otra oportunidad para acercar su experiencia al debate sobre la realidad del sector musical. El encuentro tendrá lugar en el Café Berlín de Madrid, con apertura de puertas a las 18:00 y comienzo a las 18:30.
Con Revelación, ADMIRE ha presentado una primera declaración de intenciones: un proyecto en el que bailar, sentir y romper con lo que se espera de una misma forman parte de un mismo camino creativo. Y mientras ese universo sigue creciendo, queda por descubrir hacia dónde llevará su siguiente capítulo.
Enlaces oficiales de ADMIRE
Puedes seguir a ADMIRE, escuchar su música y descubrir más sobre su proyecto a través de sus canales oficiales:
La banda castellonense presenta un EP de seis canciones en el que el humor y la ironía acompañan un mensaje a favor de las diferencias. El tema que da nombre al trabajo cuenta con la colaboración vocal de Aixa y la mezcla de David Van Bylen.
No todo el mundo encaja en los moldes, y Anora Kito convierte esa idea en el punto de partida de Universal, su nuevo EP. La banda de Castellón de la Plana reúne seis canciones que recorren las relaciones personales, las dudas y las contradicciones, sin renunciar a su personalidad musical.
El tema que da nombre al lanzamiento funciona como carta de presentación. En «Universal», el grupo cuenta con la colaboración vocal de Aixa para dar forma a una canción irreverente, llena de giros inesperados y con un mensaje que invita a cuestionar las etiquetas con las que juzgamos a los demás.
«Universal»: una reivindicación de los que no encajan
La canción dibuja un personaje peculiar e inclasificable al que se acumulan calificativos tan dispares como raro, absurdo, cuántico, místico o paranormal. La exageración y los giros inesperados convierten esas etiquetas en parte de un juego irónico que desemboca en una reflexión reconocible: quizá la vida sea mucho más sencilla si dejamos de juzgar constantemente a quienes tenemos alrededor.
Con Aixa en la colaboración vocal, Anora Kito celebra las peculiaridades personales sin complejos. La canción combina bases contundentes y melodías pegadizas, mientras que la mezcla de David Van Bylen contribuye a dar forma al sencillo.
Más allá de su tono desenfadado, «Universal» plantea una idea clara: no hace falta encajar en ningún molde para encontrar nuestro lugar.
Seis canciones para descubrir el universo de Anora Kito
El EP reúne seis temas que mantienen la identidad sonora del grupo y recorren distintas situaciones personales:
«Bailemos»
«Sin mí»
«Universal»
«Vacilas»
«A tiempo parcial»
«Paréntesis»
El repertorio combina intensidad instrumental, melodías directas y letras cargadas de personalidad. La banda explora las relaciones, las dudas y las contradicciones mientras reivindica la importancia de encontrar un espacio propio.
🎧 Escucha «Universal» y descubre la música de Anora Kito enSpotify.
De La gravitación de Kito a una nueva etapa
Universal llega después de La gravitación de Kito, el primer álbum de Anora Kito, publicado en 2023 por Flor y Nata Records y producido por Carlos Hernández Nombela.
Tras presentar aquel trabajo en salas y festivales, el grupo ha continuado componiendo y grabando nuevas canciones. En este nuevo EP, Anora Kito asume la producción junto a Pau Ortiz, de NÜ Estudi, en un trabajo que amplía su universo musical sin perder su identidad.
La formación está integrada por Óscar Barchino (voz principal y guitarra), Santiago Enrique Vilar (guitarra y coros), Sergi Navarro (bajo y segunda voz), Joan Buonamisis (batería y coros) y Albert Rico (teclados).
Con Universal, Anora Kito reivindica a quienes no encajan en las expectativas de los demás. Porque, entre tanto empeño por ser normales, quizá lo más universal sea precisamente que cada persona es diferente.
Escucha y sigue a Anora Kito
Puedes descubrir la música de Anora Kito y seguir sus novedades a través de sus canales oficiales:
El festival Hallowindie regresa a León los días 30 y 31 de octubre con una edición especial que amplía su programación a dos jornadas. El Palacio de Exposiciones y Congresos reunirá actuaciones de artistas nacionales y locales, actividades temáticas y un concurso de disfraces con premios económicos, entradas para Hallowindie 2027 y regalos de los patrocinadores para los finalistas.
Hallowindie amplía su programación a dos jornadas
El Hallowindie celebra en 2026 su sexta edición con una novedad importante: por primera vez, la cita musical se prolongará durante dos días consecutivos. Organizado por Latin Records, el festival volverá a convertir el Palacio de Exposiciones y Congresos de León en un punto de encuentro para los aficionados al pop, el indie y el rock, con una propuesta que combina música en directo y ambiente de Halloween.
La programación arrancará el viernes 30 de octubre con el Pre-Hallowindie, una jornada de conciertos acústicos que servirá de antesala a la celebración principal del sábado 31. Esta ampliación permite disfrutar de una noche adicional de música y suma nuevas propuestas a una cita que se ha consolidado en el calendario otoñal leonés.
La entrada general permite acceder a las dos jornadas, mientras que también se ha anunciado la posibilidad de asistir únicamente a los conciertos del viernes mediante una entrada disponible en taquilla.
Viernes 30: una primera noche de conciertos acústicos
El Pre-Hallowindie contará con las actuaciones de Javi Chapela, Noa y Casino Montreal. Los tres artistas abrirán el fin de semana con una propuesta de formato acústico, pensada para comenzar a disfrutar de la música antes de la jornada principal.
Javi Chapela, cantante y compositor gallego, acercará al festival su propuesta de pop y canción de autor. Noa Marcos, conocida artísticamente como Noa, representará el talento musical leonés, mientras que Casino Montreal completará la programación de esta primera noche.
La apertura de puertas está prevista para las 19:30 horas. Según el programa publicado, Casino Montreal actuará a las 20:00, Noa a las 21:30 y Javi Chapela a las 23:00.
Esta jornada previa constituye una de las principales novedades de la sexta edición y amplía la programación del Hallowindie más allá de su tradicional cita de Halloween.
Sábado 31: el cartel principal del Hallowindie 2026
El sábado llegará el turno de la jornada principal, con un cartel que reúne diferentes propuestas del panorama independiente nacional y una presencia destacada de bandas de León y El Bierzo.
La La Love You será uno de los grandes reclamos de la noche. La banda madrileña, conocida por su combinación de pop punk, indie rock y estribillos pegadizos, llegará con una propuesta enérgica y canciones que han conectado con un público amplio.
También actuará Cariño, formación madrileña vinculada al nuevo pop independiente, con melodías directas y un sonido desenfadado. A su lado estará Amatria, el proyecto musical de Joni Antequera, que combina pop electrónico, ritmos bailables y diferentes influencias.
Una de las novedades de última hora es la incorporación de Alcalá Norte, que sustituirá a Ginebras después de que la banda anunciara que no podría participar debido a la situación médica de una de sus integrantes. El festival confirmó el cambio el 21 de octubre, incorporando a una formación madrileña que mezcla rock y sonidos alternativos.
La programación se completa con The Sirius, Stand By Rock y DJ Motto, nombres vinculados a la escena musical de León y El Bierzo. Su presencia refuerza el espacio que el festival reserva a artistas del entorno dentro de un cartel que combina propuestas locales con bandas de alcance nacional.
Horarios de los conciertos
La programación publicada para las dos jornadas es la siguiente:
Viernes 30 de octubre — Pre-Hallowindie
19:30 h: apertura de puertas.
20:00 h: Casino Montreal.
21:30 h: Noa.
23:00 h: Javi Chapela.
Sábado 31 de octubre — Hallowindie
17:30 h: apertura de puertas y DJ Motto.
18:00 h: Stand By Rock.
18:45 h: Amatria.
20:15 h: Cariño.
22:00 h: Alcalá Norte.
23:15 h: The Sirius.
00:15 h: La La Love You.
01:30 h: DJ Motto hasta el cierre.
Los horarios corresponden a la programación difundida antes del festival y pueden estar sujetos a cambios. Se recomienda consultar los canales oficiales de Hallowindie para comprobar cualquier actualización.
Un concurso de disfraces con 1.500 euros en premios
El ambiente de Halloween volverá a ser uno de los protagonistas del Hallowindie. Además de los conciertos y las actividades temáticas, el festival celebrará el sábado 31 de octubre su concurso de disfraces, con un total de 1.500 euros en premios y entradas para la edición de 2027.
El certamen contará con dos modalidades. La categoría individual o de pareja tendrá un primer premio de 500 euros y entradas para Hallowindie 2027, mientras que el premio para grupos de cinco personas o más será de 1.000 euros y entradas para la siguiente edición.
También habrá reconocimiento para los finalistas: se seleccionarán cinco participantes por cada modalidad, que recibirán premios no económicos aportados por los patrocinadores, además de entradas para Hallowindie 2027.
Para participar será necesario acudir disfrazado y completar el formulario de inscripción que se facilitará en la entrada. Las bases indican que los participantes deberán hacerse una fotografía en el photocall habilitado por el festival; esa será la única imagen válida para la valoración del jurado. El horario establecido para realizarla es de 17:30 a 20:30 horas.
Los disfraces deberán inspirarse en Halloween y sus elementos característicos, como fantasmas, brujas, monstruos o personajes terroríficos, sin dejar de lado la originalidad. El jurado estará formado por representantes de la organización, del Ayuntamiento de León y de los patrocinadores.
Los menores de edad deberán cumplir las condiciones de autorización y acompañamiento establecidas en las bases del concurso. La organización también solicita a los participantes que acepten las condiciones relativas al uso de las imágenes tomadas durante el evento.
De esta manera, el concurso invita al público a formar parte activa de la celebración y suma un atractivo más a una edición que combina música en directo y ambiente de Halloween.
Entradas para Hallowindie 2026
El festival tendrá lugar en el Palacio de Exposiciones y Congresos de León, situado en la calle Gómez Salazar.
La entrada general permite acceder a la programación de las dos jornadas. Los precios anunciados se distribuyen en distintos tramos: los dos primeros, de 29 y 35 euros, ya se han agotado; el tercer tramo se sitúa en 40 euros y el último en 46 euros, en ambos casos con gastos de gestión adicionales. El precio anunciado en taquilla para el día del evento es de 55 euros.
Para quienes quieran acudir únicamente a la jornada acústica del viernes 30, se ha anunciado una entrada de 15 euros en taquilla.
Los precios y la disponibilidad pueden variar, por lo que se recomienda comprobar las condiciones actualizadas antes de acudir. Las entradas están disponibles a través de la plataforma oficial de venta de Hallowindie 2026.
Los menores de 16 años deberán acudir acompañados por una persona adulta.
León se prepara para un fin de semana de música y Halloween
Con la ampliación a dos jornadas, un cartel que combina pop, indie y rock, la presencia de artistas de León y El Bierzo y un concurso de disfraces con premios económicos y regalos de los patrocinadores, el Hallowindie afronta una nueva edición con una programación más extensa.
El viernes abrirá el fin de semana con los conciertos acústicos de Javi Chapela, Noa y Casino Montreal. El sábado, las actuaciones de La La Love You, Alcalá Norte, Cariño, Amatria, The Sirius y Stand By Rock, junto a DJ Motto, pondrán la música a una celebración que volverá a tener Halloween como hilo conductor.
El Palacio de Exposiciones y Congresos de León acogerá así dos días en los que los conciertos, los disfraces y las actividades temáticas se unirán en una de las citas musicales del otoño leonés.
Diez canciones en español, una mezcla de rock, sonidos urbanos, afrobeat, R&B y electrónica, y un proceso creativo que combina el trabajo personal con herramientas de inteligencia artificial.
Detrás de un disco no siempre hay un gran estudio, un equipo de producción o una infraestructura profesional. A veces, hay una sala de estar, muchas horas de trabajo y la voluntad de seguir creando incluso cuando el tiempo y los recursos son limitados. Ese es el contexto en el que Chris X ha dado forma a «Fuerza Money», su tercer álbum y un proyecto con el que busca abrirse camino en la música independiente desde Puerto Rico.
Cantante, guitarrista y compositor, anteriormente se presentaba como Christian en la guitarra. Hoy desarrolla su proyecto bajo el nombre de Chris X, con una propuesta que reúne diez canciones en español y diferentes estilos musicales. Su objetivo es que cada tema encuentre a su público y que quienes descubran una canción sientan curiosidad por escuchar el resto del álbum.
Diez canciones que recorren distintos estilos
«Fuerza Money» no se limita a un único género. En sus diez canciones conviven el rock, los sonidos urbanos, el afrobeat, el R&B y la electrónica, con aproximaciones que también llegan al hyperpop. Para Chris X, la diversidad responde a las propias ideas musicales: no todas las canciones piden el mismo sonido.
Algunos temas permiten reconocer con claridad ese recorrido. «Soñé contigo» y «Corazón roto» representan el lado más rockero y emocional del disco, mientras que «Bajo el sol» se acerca al afrobeat y «De ti me enamoro» explora el hyperpop.
A pesar de las diferencias, hay un elemento que conecta el conjunto: su voz y su manera de escribir. Con esta combinación, Chris X busca que cada oyente encuentre una canción con la que identificarse y, a partir de ella, descubra nuevas facetas del proyecto.
Las canciones de «Fuerza Money» se publicaron en YouTube durante mayo de 2026, en diferentes días. Desde entonces, el artista continúa trabajando para darles visibilidad y conseguir que lleguen a nuevos oyentes.
Crear música entre el trabajo y la familia
La historia de «Fuerza Money» también está marcada por las circunstancias en las que se ha desarrollado. Chris X trabaja de noche como guardia de seguridad y compagina su actividad musical con sus responsabilidades familiares. La creación del álbum ha tenido que encontrar su espacio entre el cansancio, las obligaciones y los recursos disponibles.
Las voces se grabaron en el salón de su casa, lejos de la estructura de un gran estudio. Desde allí, el músico fue desarrollando las canciones y asumiendo distintas tareas del proceso, desde la composición hasta el trabajo sobre el sonido final.
Hacerlo de esta manera le permitió sacar adelante el proyecto con los medios que tenía a su alcance, aunque también supuso encargarse personalmente de buena parte del trabajo.
Esa realidad forma parte de la identidad del álbum. «Fuerza Money» es una muestra de cómo un proyecto musical puede avanzar desde un entorno doméstico, a base de tiempo, aprendizaje y constancia, incluso cuando la música tiene que convivir con una jornada laboral y la vida familiar.
La inteligencia artificial como herramienta de producción
Uno de los aspectos más particulares del proceso creativo de «Fuerza Money» es el uso de herramientas de inteligencia artificial. Chris X utilizó Suno para desarrollar las bases instrumentales a partir de la dirección musical que buscaba para cada canción.
Su trabajo no terminó ahí. El artista escribió las letras, trabajó las melodías, definió el enfoque musical y grabó sus voces en Pro Tools. Después ajustó las melodías a su propia interpretación, incorporó ideas y trabajó en la mezcla y la masterización del material.
La inteligencia artificial formó parte de la producción, pero el proceso también requirió decisiones musicales y trabajo posterior para adaptar las bases a su voz y a la identidad que quería dar a las canciones.
En el caso de Chris X, estas herramientas han sido una vía para desarrollar su propuesta desde casa y con los recursos disponibles. Su experiencia refleja una de las posibilidades que se están explorando en la música independiente: incorporar nuevas tecnologías al proceso creativo sin dejar de trabajar en la interpretación y en la construcción del resultado final.
«Soñé contigo»: el lado rock de «Fuerza Money»
Entre los temas del álbum, «Soñé contigo» ocupa un lugar destacado como representación de su vertiente más rockera. La canción gira alrededor del sueño y del recuerdo de alguien, una idea emocional con la que Chris X espera que cada oyente pueda conectar desde su propia historia.
El músico también la plantea como una puerta de entrada al álbum: una canción desde la que acercarse a un proyecto que, más allá del rock, recorre otros territorios sonoros.
Puedes escucharla y descubrir esta faceta de Chris X en el siguiente vídeo:
Otro de los elementos que acompañan a «Fuerza Money» es el CDX, una moneda metálica coleccionable que incorpora un código QR para acceder a la experiencia digital del álbum.
La idea nació del deseo de dar una forma física a la música digital: un objeto que se pueda conservar y que, al mismo tiempo, permita acceder a las canciones desde el teléfono móvil. De esta manera, el CDX conecta dos formas de relacionarse con la música: la escucha digital y el valor de tener una pieza tangible vinculada al proyecto.
Para Chris X, el concepto no se queda únicamente en esa moneda. También le gustaría seguir desarrollándolo para ofrecer experiencias musicales y contenido exclusivo alrededor de estos objetos coleccionables.
Se trata de una propuesta que busca explorar otras maneras de presentar un lanzamiento y crear una relación más cercana entre la música y quienes la escuchan.
El reto de llegar a nuevos oyentes
Terminar un álbum y conseguir que el público lo descubra son dos trabajos diferentes. Chris X señala que uno de sus mayores retos como artista independiente ha sido lograr que las personas lleguen a sus canciones y quieran volver a escucharlas.
Por eso, además de compartir su música, está contactando con medios de comunicación, buscando conexiones con otros artistas y dando a conocer el proyecto de manera directa. En ese camino, cada persona que se detiene a escuchar y cada respuesta sincera tienen un valor especial.
Actualmente, también está promocionando «Corazón roto» mediante vídeos cortos que presentan fragmentos de la canción y buscan llevar a nuevos oyentes al tema completo. A través de distintas propuestas visuales, intenta contar algo de la canción en pocos segundos y mostrar, además, aspectos del proceso creativo de «Fuerza Money» y del concepto CDX.
Su objetivo es ampliar el público del álbum, reunir a personas que quieran acompañarlo en futuros conciertos y conseguir los recursos necesarios para seguir mejorando los vídeos y la imagen del proyecto. Una aspiración que va más allá de Puerto Rico y que parte de una idea sencilla: que la música llegue a personas que encuentren algo propio en ella y decidan regresar.
Descubrir a Chris X
«Fuerza Money» es el tercer álbum de Chris X, pero también una nueva etapa en su recorrido como músico independiente. Diez canciones, distintos géneros y un proceso desarrollado desde casa dan forma a un proyecto en el que conviven la composición, la experimentación tecnológica y el esfuerzo por encontrar una audiencia.
Su historia recuerda que detrás de cada lanzamiento hay mucho más que las canciones que llegan al público: también hay tiempo, decisiones, dificultades y una persona que busca abrirse camino con los medios que tiene a su alcance.
Puedes escuchar el álbum completo y seguir la evolución de Chris X a través de sus canales oficiales:
Desde Bajo El Plafón seguiremos atentos a la evolución de Chris X y a los próximos pasos de «Fuerza Money». Porque detrás de cada álbum hay canciones, pero también decisiones, esfuerzo y una historia que merece ser contada.
